攝影教學的具體動作
攝影課程設立的意義和範圍
攝影教學的意義
學校進行教學工作的根本目的，是為各地區培養能促進各地區的發展同步於整個社會發展所需要的各類人材，以保證各地區在政治、經濟、文化和科學教育上有一個平衡發展的格局，使整個社會的發展趨於統一。因此，高等院校的教學內容也應根據整個社會在政治、經濟、文化和科學技術上發展的客觀需要，隨著社會生產力的科學技術水平的提高，根據學生的結構特征和需要，做相應的調整並逐步使之完善。使我們的學生在掌握專業知識的深度和綜合文化修養的廣度上，達到一個更高的水平。
隨著社會的發展和科學技術的進步，攝影早已不僅僅作為一種藝術的表現形式或作為一種記錄的手段而存在。它廣泛地應用在各個領域中，並且起著重要的作用。
攝影技術，是隨著近代科學技術的進步而產生並高速發展起來的一項實用技術。隨著新型光學材料的應用和微電腦技術的引入，現代攝影所使用的器材日趨完善。攝影技術涉及到光學、化學、機械學和電子學等高科技技術領域，它是多學科高精尖技術相結合的產物。通過較為係統的學習和實踐，可以使學生掌握和了解相關的知識並提高他們的實際工作能力。
另外，攝影又是科學與藝術相結合的最經典之例，就其藝術性而言，它更有誘人的魅力。它的魅力來源於社會生活和自然界中所存在的現實美，它對現實生活的反映較之其他藝術形式對現實生活的反映更真實、迅速和直觀。這種現實美的反映有比其他單純藝術美所不可比擬的生動豐富的內涵。它寄托了創作者對現實生活的思想感情，因而比現實生活又更典型、更集中、更能引起創作主體和欣賞主體之間感情上的共鳴。由此可見，攝影作品的藝術美是對現實美真實的反映和升華。
就整個社會而言，隨著人民生活水平的不斷提高，攝影已日益成為人們精神文化生活中不可缺少的一部分。這種社會現象在高等院校的學生中也不例外。雖然因受各種條件的限製，在他們當中精於高層次藝術創作為數極少，但熱衷於攝影創作和喜愛攝影作品的學生卻比比皆是。因此，提高他們的創作和欣賞水平不僅能滿足他們的創作欲望和他們的審美需要，更重要的是讓他們通過較係統的學習和掌握這些知識後，提高他們形象思維能力和審美能力及情趣。使他們在以後的生活和工作中，善於發現和捕捉現實生活中所存在的現實美，並使他們在感受形式美的同時，提高對藝術形象的真與假、惡與善作出正確的判斷和提高認識能力。這樣的結果不單單提高了他們創造美的能力，對於他們的思想情操也是一種很有效的培養。
下麵我們從幾個方麵來分析一下在學校中開展攝影教學對提高學生綜合能力的作用。
一、提高藝術形象思維能力的作用
什麼是藝術美？藝術美最基本的部分就是藝術形象的美。因此，形象是各種藝術形式所具有的最基本的特征，也是攝影藝術所要表現的主體。
不同的藝術形式除了要受共同的藝術規律影響和製約外，還要根據自身的特殊性來塑造各自所要表現的藝術形象。同時也要求欣賞者與創作者一起用不同的思維方式進行理解和還原。例如：文學作品用語言來塑造形象，音樂作品用聲音來表現形象。欣賞者對這些形象的理解和還原是通過抽象思維的方式來完成的。而攝影藝術的一個最基本的特征，就是它具有其他藝術形式不可比擬的具體可感、生動真實的形象。它是通過不同的影調和色彩的有機組合，構成對現實生活的某一瞬間的真實反應。因此，無論是創作者的創作活動還是欣賞者的欣賞活動，始終是在形象思維的過程中進行的。所以說，創作者和欣賞者具有一個共同的起點，即從一個具體的形象感知開始，來進行和完成各自的思維過程。
攝影創作和攝影作品的欣賞是如何提高形象思維能力的呢？這個提高的過程是分為兩個階段來完成的。
首先是創作階段，創作階段的形象思維過程是從生活到藝術。攝影作品的創作素材來源於自然界和社會生活，它所反映的一切都實實在在地存在於現實生活之中。如聳入雲霄的高山，詩情畫意的田園，老人的慈祥和藹，兒童的天真爛漫。當這一切出現在我們麵前的時候，都必然會自然而然地產生一定的思想感情上的衝動。情景交融，對不同的人來講，必定會得到不同的審美感受。這個由現實生活所觸發的思想感情，對於具備一定的藝術修養並有創作欲望的個體來講，就是他創作思維的開始。他必然就要進行和完成他所感受到的現實美向創作構思中的藝術美的轉化。這個轉化的過程，實質上就是創作主體在感受和理解的前提下，對現實生活所進行的思考和主觀評價，是在這個基礎上對現實生活的再創造。這個評價和再創造將充分地體現在創作主體對表現方法和技巧的運用之中。至此完成了創作階段的全過程。這個過程包含了整個創作中形象思維的過程。
第二則是欣賞主體對欣賞對象的形象思維過程，這個思維的過程是從藝術到生活。作為欣賞主體，欣賞攝影作品的最根本的目的就是從創作主體提供的作品中認識和理解它所反映的現實生活，並從中獲得美的享受或某種啟迪。這個過程的主要特點是審美主體具有極強的主觀能動性，這個過程的實質是審美主體對審美對象提供的藝術形象進行的又一次藝術再創造。這種再創造就其心理活動形式來講，就是在人的肉眼看到攝影作品的同時充分發揮想象，在想象中以具體有限的形象來反映無限的現實生活內容；在想象中發掘和理解有限形象中所包含的深刻思想內涵；在想象中體會它蘊含的豐富感情。
欣賞階段的思維過程概括起來講，就是由欣賞對象對欣賞主體進行自我表達到欣賞主體與創作主體之間形成一種思想上的溝通，再由欣賞主體完成再創造的過程。
由此可見，攝影創作和作品欣賞主要是通過具體可感的，亦即可以直觀的形象，並以此為基點來進行形象思維而完成。這種思維方式貫穿創作和欣賞階段的始終。
二、提高藝術欣賞能力
人類的藝術實踐大體上可分為兩個階段。即藝術作品的創作階段和藝術作品的欣賞階段，就攝影藝術而言，創作階段是指創作主體運用攝影技術來反映存在於社會生活中和自然界中的現實，並根據藝術規律，融合進創作者的思想感情，巧妙地運用攝影技巧，創作出具有審美價值的藝術形象，供人們欣賞。欣賞階段是指審美主體對已完成的藝術形象進行客觀的鑒賞和作出主觀的評價。由此可見，創作和欣賞是各自獨立但又有著必然聯係的兩個階段。它們之間是互為對象，互相創造，互相促進的關係。它們之間的聯係則是以攝影作品為媒介的。因此，創作的主要目的是為欣賞者（包括自己）提供欣賞的對象，並在感受作品意境的同時進一步促進創作。
在現實生活中，不可能人人都成為藝術家，但是對藝術美的欣賞卻是人們在日常生活中比較普遍的精神需要之一。可以肯定地講，在現在這個社會中，由於物質生活水平的提高，精神生活的水平或要求也隨之有了更高的標準。幾乎人人都有創作藝術作品和欣賞藝術作品的要求、經驗和標準。進行藝術創作和藝術欣賞自然也就成為人類的一種趨向時代潮流的文明標誌。
但是，對不同的審美主體來講，麵對同一件藝術作品，所產生的審美感受往往是各不相同的。有人感到美的東西，也有人感到不美；有人能產生強烈的美感，也會有人隻產生一般的美感；有人麵對一幅作品會引發翩翩的聯想，也有人卻覺得平平淡淡。是什麼原因造成這樣的結果呢？概括地講，這就是藝術欣賞中的個性差異。這種個性差異的產生主要是受傳統文化、地域環境的影響和以個人的文化修養及每個人獨立的性格為前提的。
藝術欣賞中的個性差異存在於藝術美客觀存在的前提下是非常正常的現象。這種現象產生的原因，主要由於欣賞主體的自身審美條件所造成。
什麼是人們的審美條件呢？它主要由審美能力、文化藝術的修養、個人的生活經曆和思想感情以及當時的心理狀態等組成。我們進行攝影教學的目的之一，就是為了提高學生的審美能力和文化藝術修養。
審美能力是指欣賞者在進行審美活動時所具有的與之相關的心理能力。這種能力的形成是在一定的先天條件下，通過後天的生活實踐和審美活動，特別是直接的或間接的參與藝術創作和藝術欣賞等活動，逐步得到培養、訓練和提高的結果。
欣賞者文化修養的不同，在欣賞藝術作品時欣賞的角度不同，體會到的美感也就不同。藝術本沒有高低文野之分，隻有表現形式的不同。但在實際生活中，因人們的文化修養存在著很大的差異，所以造成了表現和欣賞中的層次之別。所以，文化修養決定了創作主體的創作能力和表現情趣，同時也決定了欣賞主體的欣賞能力和欣賞情趣。
三、攝影的欣賞心理
攝影藝術欣賞就是欣賞者通過對藝術照片的色彩、線條、影調、形體等外部形式的視覺感受，來具體認識藝術形象，體會作品所蘊含的思想感情，從而獲得理智的滿足和感情的愉悅。因此，攝影藝術欣賞就是以藝術照片為審美對象的一種複雜的、特殊的審美心理過程。
這種心理過程包括對審美對象的感覺、聯想、想象、思維等由感性到理性的認識過程，同時還包括與認識過程相伴隨的主觀方麵的感受、情緒和情感活動。認識過程和情感過程互相聯係、彼此滲透、互相促進、由淺入深、由低至高，推動美感作用深刻強烈地發展，從而形成一個完整統一的審美心理過程。攝影藝術是以具體可感、生動真實的形象來反映現實美的，所以欣賞者總是先從形象的感知開始作為起點和基礎的。
然而，感覺到了的東西不一定能很好地理解它，隻有理解了的東西才能更深刻地感覺它。所以，隻有進入理性認識階段，人們才能達到欣賞的高級階段。
藝術是真、善、美的統一，欣賞者在感受藝術作品的形式美的同時，必然要對藝術形象的真與善作出判斷和認識，而這些隻能靠理性思維來完成。因此，欣賞者對藝術形象的認識越深入，理性認識也越起主要的作用。
攝影藝術中許多表現方法和技巧的運用，都是以欣賞者在想象中對藝術的豐富和補充作為條件的。攝影藝術欣賞，是以對美的認識為內容，而以主觀體驗的形式——感情表現出來的。因此，情緒和情感便成了欣賞過程中最明顯、最突出的一種心理活動。因為藝術照片不僅具有鮮明生動的藝術形象和完美的形式感，而且滲透著作者真摯、強烈的感情。欣賞者在感受和理解形象美的同時，必然會被形象所感染，引起審美的情感。這種審美情感是以對審美對象的思考、評價作為前提的，是審美認識由感性認識階段進入到理性認識階段而產生的。情感體驗越豐富越強烈，所獲得的審美快感也越加深刻，越加強烈。
攝影藝術欣賞是一個感情傳遞的過程，是欣賞者與作者思想溝通、情感交流的過程，而藝術照片就是這個過程的媒介。欣賞者可能被作品中的藝術形象所感動，進而與作者產生共鳴，覺得作品所表達的一切正是他所希望的。此時，也就是達到了人們常說的“情景交融”。的境界這是術照片意境的體現。共鳴是藝術欣賞活動中的更高境界的一種心理活動形式。因此，欣賞藝術照片，不僅要看懂畫麵內容情節，理解作品的含意，認識作品的形式美，而且更要為凝聚在作品中的感情所感染，引起共鳴，這樣才是達到了高水平的欣賞。
欣賞水平的提高，是以審美能力的提高和文化修養的提高為基礎的。而這個基礎的建立則要經過係統的學習和不斷的實踐為前提。
攝影教學的範圍
攝影藝術是科學與藝術相結合的典範，具體地說，它是由具備一定藝術素質的人，借助於現代科技的產物之一——照相機進行的創作。當然，任何藝術創作都離不開一定的物質條件，如繪畫離不開畫筆和顏料，音樂離不開樂器等。但是，攝影藝術對物質條件的依賴性要大大超過其他藝術形式。攝影涉及到光學、化學、機械學和現代攝影設備離不開的電子設備的有關科技知識等。因此，掌握攝影技術，不僅要具備一定的藝術修養，而且要掌握一定的科技知識和熟練使用攝影器材的技術及拍攝技巧。
眾所周知，攝影現已廣泛應用在各個領域之中，成為多項工作的基本技藝之一。由於科學技術的發展及微電腦技術在攝影器材中的應用，使攝影器材愈加精良。尤其是電子技術的大量應用，使照相機和後期製作設備的自動化程度日臻完善。從而為廣大攝影愛好者創造了更為方便、更為完備的創作條件。然而，即使是這樣，攝影也並不像國外一些相機廣告中所描繪的那樣：“隻需你按下快門，別的都由我們來完成。”攝影是科學與藝術的統一，是借助於現代科學技術而發展起來的技術手段。即使照相機的自動化程度再高，也不可能任何一個人拿起相機就可以拍出高質量的照片。這是因為照相機是沒有生命和思想感情的，再自動也不可能自動到完全代替人的頭腦來進行思考。而既無生命，又無思想感情，更不會麵對瞬息萬變的世界進行思考的機器，怎麼能去認識和反映充滿生命活力的現實生活呢？
攝影藝術是現代科學技術的產物，它是建立在光學、化學等一係列學科不斷發展基礎上的一種技術手段。到目前為止，攝影器材在新技術的應用方麵，已領先於其他領域，從而使得攝影器材尤其是照相機在使用的方便程度上，與十年前相比已發生了質的飛躍。因此，攝影這門技術獲得了廣泛的應用。攝影用來反映生活，傳播新聞，用於科學研究工作。紅外攝影、顯微攝影的發展及應用，為醫學、物理學、考古學、天文學等研究提供了現代化的手段。因此，各行各業的工作都離不開攝影。我們的學生畢業後將走向社會，奔赴不同的工作崗位。他們之中有的將從事新聞工作；有的將在科研領域大顯身手；有的將獻身於教育事業……無論將來他們中的每一個人從事什麼工作，作為一個受過高等教育的工作者來說，攝影作為一種基本技能，應該熟練掌握，這會使他們在實際工作中深得其益。
攝影與視覺心理的關係
從最確切和最廣泛的意義上說，“視覺”意味著使用你的感覺、你的理智和你的情感，也就是用你的整個身心去“觀察”藝術題材。“視覺”還意味著透過事物的表麵現象去發現你周圍的奇妙世界。
攝影師通過運用優美的構圖或視覺設計來最完善地表現題材，襯托出主題的固有結構。但是，如攝影師隻知道照搬視覺設計原理或墨守構圖法則，其結果必然限製了自己的創作欲望和創作興趣。熟悉視覺設計原理，視覺表現優先於技巧的攝影師才能產生出完美藝術的靈感，省悟到主題的表現性，並對其作出反應。
學會觀察
順其自然是真正觀察的基本前提。當你盡情地遐想時便會放棄對主題的原有設想，而這種設想可能約束你按某種預定的方式拍攝。隻要你擔心自己能否拍出好的照片，或隻是一味地自我欣賞，要麼是不能創造出最佳作品，要麼就不可能盡情地感受到攝影的快樂。如果你順其自然，對題材的直接體驗便能產生出新的感覺。而這些新的想法和新的感受將指導你進行拍攝。
要想觀察和塑造完美形象的攝影師必須認識到常見事物的價值。主題可以不同，但如果不能通過細心觀察而領會主題的真諦，不會用照片表現它，無論你地處何方，也將一事無成。
人們常常不加思索地進行抽象概括。因此人們在使用相機時驚奇地發現，相機表現的景物並非自己眼見的景物，更準確地說，並非他們本人原以為能看見的景物。使用相機的一大要求是學會控製相機（包括其他器材和技巧），以拍出能夠反映你所觀察的景物的照片。
除了相機與人眼之間的視覺差別外，觀察的所有障礙都與自身有關。處理好自身心理狀態是十分必要的。
觀察，從準確、最廣泛的意義來看，就是利用感官、智力和情感，用全部心身去觀察主題。善於觀察並不能確保照片的完美無缺，但攝影的完美表現都離不開善於觀察。
人們用不同的符號，如文學、聲音和圖像進行想象。任何符號的作用都不及圖像或視覺的影像。當跑步運動員進入比賽時，他注視的是到達終點所要跑的距離；裁縫縫紉時看到的則是衣服成品；農夫春天播種時看到了豐收時節的場景。攝影師看到物體、風景和事件時，就應看到如何最佳地把它們紀錄在底片上。
我們是用三種視覺影像進行想象的：即觀察到視覺影像（如物質對象），想象到影像（視覺想法和視覺夢想），創造出的影像（素描、油畫或照片）。有的人善用某種影像進行解象而偏廢其餘。而優秀的觀察家對這三種視覺影像方法都得心應手，甚至同時使用它們。
觀察分無意觀察和有意觀察。有意觀察並不是一件容易的事，但是每個攝影者的目標，意味著詳細觀察事物並相信它們的重要性。用不同的兩種方法可以提高你的有意觀察能力。第一種方法是“開拓思路”。它對立誌要打破舊俗套的攝影者尤為有用。開拓思路是從多角度觀察題材從而建立該題材的大量信息的一種觀察方法。開拓思想中的攝影練習是項嚴肅有意義的工作。第二種方法是“心情輕鬆”，即排除心中的雜念，更精心、準確地觀察事物。隨著觀察能力的提高，想象力也會隨之而提高，從而使你發現正向著有效地表現主題、反映主題的拍攝目標靠近。
開拓思路，便能找到觀察題材的新途徑、新發現和新感覺，拋棄常規，探求新規。不要隻限於提高現有的攝影方法和技巧。要思考從未嚐試過的新路子、新技巧，思考將要拍攝的新照片。大多數人習慣於用演繹推理的方法進行思維。同樣，大多數攝影師也用演繹推理方法進行觀察。無論是否有意識地這樣做，我們就有了一個前提，或者一個主題，我們根據邏輯思維確定該主題的含義，並最終得出一個結論。這是一個封閉式思維的過程。我們很少從其他途徑進行想象，探求別的前提或新的開端。我們把技術和感情上的新因素排除在攝影之外，唯恐不能控製它們。要想克服這種束縛觀察和創作的思想桎梏，最好的方法就是使這種思想桎梏根本不存在。因此，你必須打破條條框框。
想以新方法觀察的攝影者應對時機十分敏感，應該醞釀和促進時機，因為隻有通過時機才能獲得許多視覺成象的良機。相機操作迅速，從而使你能以其他藝術家無法比擬的速度捕獲住偶發事件或產生靈感的瞬間。即便你不十分滿意拍照結果，但這些結果仍有指導意義。它們能誘發新的思路，啟示值得研究的技術。
開拓思路不但有助於擺脫攝影俗套，而且有助於你看到易被忽視、或未能仔細觀察到的題材，擴展視野，活躍思維。
開拓思路就是觀察主題的一係列影像，把這些影像堆積起來，從而獲得一個完整的圖像。
開拓思路無時不存在，不能限於手地相機攝影那一刻，也不能到技藝熟練鉑再來考慮，一旦開始練習拍攝就要堅持下去，因為這樣做既有利又有趣。
無論學習任何一種技術，第一步就是要心情輕鬆、愉快。如果你心情緊張、心事重重或擔心成功與失敗，那麼就是在自我擔心，而不是在為學習技術用心了。
另外還是要把注意力集中在某種事情或某個人上。這才能學會如何控製和把握自己表現主題的方法。攝影表現的成功依賴於“順其自然”的想象。
學會想象
人的想象力是通過大腦抽象思維產生畫麵影像，並將感覺經驗組織起來而實現的。想象是在大腦中確立形象，每個人都是具有想象力並且常常運用的，但仍存在著進一步提高想象力的種種途徑。
大腦思維的眼睛所看見的影像基於以往親眼見過的圖案和模式，因此很大程度上取決於個人的記憶。感性經驗越多，供想象的材料越豐富。能仔細觀察周圍環境，精心辨認事物的微小細節的攝影者可以豐富他的想象力。有時老師講到“缺少感覺經驗的兒童”，這些兒童難於構思和運用概念，除非等他們的感覺經驗豐富了。
抽象思維是想象的另一種形式，是人們常使用而無須試驗的一種心理形態。我們經常講的感覺就是基於這樣一種思維方式形成的。換句話說，能進行地道的抽象思維時，也時常要用到感覺概念的。人經過這種大腦的發展過程，便從無主見發展到有條理，這是每個思維正常的人從事的創造活動。要想改進攝影技巧，獲得更有效的表達手段，也得同樣從事這樣的創造活動。
假如說開拓思路萌發了機會，誘導出觀察事物的嶄新方法，那麼抽象能使你的觀察和攝影更有條理化結構，抽象與選擇對最佳表現方法頗有益處。
學會表現
攝影的目的隻能是有效地表現。
人們首先注意感情的表現，然後再觀察麵部的具體細節，這是頗有道理的。人的感覺器官有一種特殊功能，即反映人們周圍環境裏各種能動因素（人、動作、天氣、交通等）的作用並做出相應的反應。人類的生存就是依靠這一點，人觀察事物時，人的感官提出的第一個問題便是該事物是否友好。友好與敵視是我們所在環境中所有事物的基本表現特點，人們首先就是觀察這些特點。
一旦我們明確了題材表現意義（即主題），就會注意到運用哪些特定的形狀、色調或顏色來表現。許多人隻是浮光掠影後便停止了對題材的細心觀察，這隻能對題材進行膚淺的表述。
攝影時要利用感官提供信息的自然順序。首先要問：題材主要表現什麼？然後再問：題材如何表現？回答這兩個問題時可按這一順序，即先決定如何構圖。構圖優美或視覺設計合理，題材在照片中便能合理地表現主題。
有時表現意味著“自我表現”——拍攝出自我感覺。題材並不全指你選擇的事物，還指物體的顏色、形狀和線條。因此，你選擇的題材隻是部分地揭示了自我。從感情上來說，物體的顏色、形狀和線條比物體本身更為重要。例如，你可以用暗淡的色調表現悲傷或失望，用明快的色調、歡快的顏色和傾斜的動感線條來表現幸福和快樂。但是無論什麼主題，攝影者隻能用現存事物來表達自己的想法。
變換鏡頭、濾光鏡和采用不同的攝影技巧，會改變顯示題材的作用。但變換攝影器材和技巧，仍必須尊重題材，不然的話題材不能為你所用。
攝影時涉及的一切應是十分自然地發生的。題材表現了主題，欣賞者應有相應的感受。攝影師的任務就是要確保所選定的主題在照片中，盡可能得到最清晰的表現，使觀賞者產生相應的感受。這就是最佳設計的基本宗旨。
對題材自身表現性的認識，其在攝影中的重要性，遠比在其他任何視覺媒介中要大得多。因為每當攝影師拿起相機時，他看到的是現存的形狀、顏色和質感。當你再現主題的表現性質時，同時也表現了你自己的某些特征。沒有人會用你拍攝的同種方法來表現這一主題。
視覺設計
攝影師從事兩種設計——題材中他觀察的圖案設計和拍照時安排題材所創造的圖案設計。攝影師細心觀察題材，不但知道了題材表現什麼，還認識到了題材的設計如何創造。然後，他利用完美的構圖來襯托題材的自然或內在的圖案設計，從而清晰地反映主題。假如照片設計合理，能使你欣賞到題材的自然設計和省悟到題材的表現意義。你會很自然地獲得這種感覺，不會被不必要的細節分散注意力，而得出錯誤的結論。
設計與修飾潤色不應加以混淆，它們之間有著重大區別。修飾是虛飾或附加的人為潤色。像好的設計那樣，修飾使人賞心悅目，也會使人的注意力遊離於主題之外，完美的視覺設計總是把注意力集中到照片的主題或目標上，這是表現形式不可缺少的。
考慮視覺設計時，一定要牢記照片的主題。隻有這樣，你才能選擇與主題有關的題材，以突出主題為目的，來恰當安排題材。完美的視覺設計是基於這樣的信念上：主題是你想要表現的；題材的自然形象能夠表現主題；攝影者的視覺設計或構圖應烘托題材所表達的形象，從而更清晰地表現出主題。
攝影有兩個基本設計要素——顏色和形式，是所有視覺表現形式依賴的要素。
形式要素受到光質和光線方向的影響。光質與光線強度或光線柔和性有關。強光或直射光來自點式光源，像晴朗天空的太陽或無陰影的強光燈。強光能增加對比，可根據光源方向的不同，增加或降低質感和透視性。漫射光是照射到題材前就散發的柔和光。多雲天的光線是柔和的。不是直射到被拍攝物體，而是由天花板反射回來的光也是柔和光。柔和的光線減弱反差，但因色調的差異不太強烈，形狀、線條和質感也不太明顯。
在黑白照片中，構圖對情感的作用僅依賴形態——形狀、線條、質感和透視性，這一切都來自影調。在彩色照片中，形態一般建立在構圖的結構上，而顏色對人的情感有著更大的作用。我們常根據物體的形態來判定自然物，而依據其顏色來決定是否喜歡它們。
大多數人對明快的、色彩鮮豔的飽和顏色有著積極的反應，並意識到自己的感受。但是顏色的影響是十分微妙的，許多人不知道自己對柔和顏色的反應。攝影者要是激發或控製對題材的情緒感受，那麼他必須對鮮明及柔和顏色都十分敏感。
顏色的一個有趣的特性是代表著許多不同的情感。我們對顏色的情緒感受在很大的程度上取決於拍攝對象。
攝影師為了表現題材意義和對題材的感受，用不同的方式組合安排形式和顏色的不同要素。如果他隻依賴固定的構圖規則，則不會獲得成功或隻能獲得表麵的表現形式；如果他掌握了視覺設計原理且思路靈敏，就有可能獲得鮮明有效的表現形式。運用視覺設計原理比運用任何其他攝影原理都更需要靈活和情感。所有的照片總是包含兩個因素——條理和張力。想想視覺設計的基本原理：簡練和動感，你就會理解條理和張力。
攝影時，畫麵要力求簡練。無論畫麵有多少內容，簡練都可使構圖有條理和穩定。簡練來源於抽象和選擇。
如果生活中的事物簡單到不能再簡單的程度，那麼生活會很枯燥。因此，我們必須用張力來平衡條理。張力給照片和生活帶來了活力和動感。然而過分的張力又可能導致運動過量和條理紊亂。因此像生活一樣，畫麵構圖總是包括條理和與之相對立的張力。理想的構圖就是兩者的結合——動態簡練。
突出、平衡、比例、模式和節奏以及變形是獲得簡潔和動態的五條視覺設計基本原則。
突出，表明畫麵中的某一方麵比其他方麵更能影響構圖。照片的突出部分稱為趣味中心。突出趣味中心可以由它的大小、顏色、定位、象征、價值等或這些要素之間的任何形式的組合以及其他因素所造成。
平衡意味著對突出的控製。但是，平衡也比較複雜，其中包括很多的畫麵要素。平衡有兩種形式——對稱和不對稱，也可稱為正規平衡和隨意平衡。
攝影師平衡畫麵內的物體，從而達到控製張力。完美的平衡意味著既利用張力而又不讓任何物體的視覺吸引力失去控製。
非對稱或隨意平衡不同於不平衡。不平衡的照片缺乏整體統一，顯得支離破碎，主題思想不突出。而理想平衡的非對稱構圖，卻包含相互作用和相互製約的物體。由於物體之間的相互作用，我們不得不觀察整個畫麵的各個部分，依照攝影者精心設計的構圖進行，這就稱為動態構圖。
畫麵主要物體和次要被攝物體的空間比例有關。主要被攝物體的空間比例能決定畫麵平穩是否令人滿意。主要被攝物體在其環境（前景、中景和背景）中的比例對形象的表達有著強烈的影響。
圖案和節奏也與平衡有關。圖案是視覺要素的特定結構，簡言之就是設計。節奏是運用圖案的一種方法。圖案能任意重複，而圖案有規律的重複也是節奏。特定畫麵區域內的任何視覺要素或其圖案在一定範圍內有規律地重複，都能影響我們觀察和理解照片的方式，節奏給照片帶來條理和動感。
視覺要素——變形（或畸變）能產生透視效果。透視是照片的深度感，也是其他兩維影像的深度感。變形不是指圓被切除一塊形狀的殘缺，而是指形狀產生不穩定感和增加張力的整體變異。
攝影時要觀察拍攝對象的自然圖像，好的構圖與拍攝物體圖像是和諧的。沒有什麼構圖規則比這更重要的了。然而，構圖的某些原則或公式常常違背這一準則。某些方法或技巧在許多場合中的運用效果甚佳，便產生出原則。了解這些方法和技巧的有效性無疑是很有意義的，但是，將它們生搬硬套，施加於所有題材則是錯誤的。此外，對構圖規則的過分依賴會影響觀察和想象。
每次拍攝之前，你都應該自問一些特定的問題，以便有助於決定如何構圖。畫麵有趣味中心嗎？如果有，它是什麼？應放在何處？主要拍攝對象應占有多少畫麵空間？它是否需要基底作為支撐？你應把視覺設計原理的知識運用到特定情況之中，在實踐中回答這些問題。
趣味中心是主導整個畫麵的被攝物體。它突出的原因可以是大小、顏色、形狀或者其他一些物體及心理因素所造成。攝影師常關心的是趣味中心是否存在或放置何處。
趣味中心應是拍攝對象的自然組成部分，而不是附加物，更不能牽強附會。趣味中心的布局必須由主題和其他拍攝物體，以及它們相互間的關係來決定。每次構圖都應有所變化，避免公式化。
攝影師常得到這樣一種告誡：應該靠近被攝物體，使畫麵安排更加充實。如果照片的主題主要是通過趣味中心來表現的話，這是有益的告誡。但是如果主題是由趣味中心與周圍空間的相互關係來表現的話，這種說法就無益了。
照片中重要物體的大小（包括趣味中心）都應由照片的主題來決定。
要研究自己的一些最佳照片，看這些照片為什麼或如何去表現感情和意境。觀察這些照片中所經常選擇的題材、設計和技巧，並且自問這些選擇是否良好，應盡可能地做，然後再考慮題材表現了什麼，其自然結構是如何體現題材的內容的，及看構圖是否有助於烘托主題。你究意是生搬硬套構圖規則，按圖索驥呢？還是充分發揮了自己觀察的能力。
當你重視題材和運用視覺設計時，就會發現自己正在形成既能表現主題，又能顯示自己個性的風格。
攝影構圖的基本概念
攝影構圖是一門藝術
藝術之所以成為藝術，與它所用的材料及工藝之間，隻有一部分關係。它的最重要的特點還是在於藝術家從題材中提取基本視覺美點並以感人的方式再現它們。
畫筆、顏料、蝕刻針、顏色鋼筆和打樣機僅僅是藝術家的工具。它們不能保證藝術創作必定成功，正像丁字尺和三角板不能保證產生優秀的建築一樣。它們作為藝術家手中的工具，可能有助於產生藝術品。而在一般人手中隻能畫出毫無意義的塗痕。
對於相機來說，也是同樣的道理。作為一種工具，它可以幫助藝術家創造出某一特定的藝術品，如果放在一般人手中，不論此人技術如何高超，知識多麼淵博，也不論他怎樣精心操作，隻要他所從事的不是藝術創造活動，是創造不出藝術品來的。因此可以說：相機是一種能夠反映使用者思想的靈敏的工具。
學習攝影的人，需要用多年的時間去掌握攝影技巧，包括懂得並善於靈活處理光線，熟悉相機性能、膠片特性和衝洗工藝等。
藝術效果完全取決於藝術家是否從這個題材中發現了和感覺到了抽象的視覺美點，以及處理它們的能力；經過這番處理，觀眾才能看到藝術家曾經看到過的東西，激發出和藝術家同樣的情感。
按照藝術家的觀點，自然存在的事物無所謂美和醜。正是藝術家，才有能力發現美的本質，並把它展示給人們。
這類視覺美點，在我們周圍到處都有，在我們日常生活中占的比重很大，但我們大多數人竟然對它熟視無睹。每一個題材，不論是平淡無奇還是宏偉壯麗，它都包含著幾乎是無限量的視覺美點。有時候它隻存在片刻，稍縱即逝。有時候它藏在極普通的外表下麵，貌不驚人，難以辨認。事實上這藏著的視覺美點才是真正神奇有趣的東西。
攝影構圖的具體要求
從題材中發現這類線條、色調、形狀和質感，把它們納入取景器，以攝影家完全滿意的方式加以處理，隨後製成照片，使觀眾對這些視覺美點也能一目了然。這就是構圖的全部內容。
構圖是一個思維過程，它從自然存在的混亂的事物之中找出秩序；構圖是一個組織過程，它把大量散亂的構圖要素組成一個可以理解的整體；構圖是對這些要素的反應過程，也是想方設法組織這些要素的過程，目的是讓這些要素向人們傳達攝影家已經體會到的興奮、崇敬、畏懼、驚異或同情。構圖所表現出來的氣氛，有時是平靜的，有時是有力的或堅定的，有時也可能是活躍的。題材本身會向攝影家展示出所要表達的情緒。
通過構圖，攝影家澄清了他要表達的信息，把觀眾的注意力引向他發現的那些最重要、最有趣的要素。
構圖方法和構圖語言並沒有什麼神秘之處，也沒有什麼條文可遵守。要理解構圖，參與構圖實踐，就必須對幾千年來藝術領域裏人所共知、行之有效的那些普遍原則有所理解。
關於構圖方法，沒有像技術資料那樣現成的表格、彙編、手冊可供利用。若幹年前，有人曾想把構圖方法彙編成書，把金字塔式的危錐形、圓形以及車輪輻射形等基本構圖形式收錄其中。顯然，有些古代大師在他們的一些繪畫中已經使用過類似的構圖形式。迄今為止，曾經產生過多少傑出的繪畫和攝影作品，但是，如果企圖按照某種基本格式去分析它們的構圖，那麼，分析的結果，與其說是一目了然，倒不如說是強詞奪理。
那些企圖使構圖符合一定模式的攝影家必定會發現，所得到的不是老框框，就是給作品加入了牽強附會的成分。
這樣的構圖，即使安排得十分工整，麵麵俱到，由於不可避免地過分雷同，也必然令人生厭。因此，這種構圖模式是否有用，值得懷疑。
另一方麵，單憑直覺構圖，或許能夠產生一些值得一看的作品，但在更多的情況下，這種做法帶有偶然性，不能保證把攝影家想要表現的思想傳達給觀眾。
在構圖的所有要素中，形狀可能是一個最基本的要素。相當多的攝影傑作之所以獲得成功，或者是它單靠物體的形狀具有戲劇性的效果，或者是依靠幾個物體的形狀微妙地相互作用。所以我們很容易得出這樣的結論：隻有形狀才是構圖的基本要素。
另一方麵，在許多優秀照片中，物體的形狀卻又無關緊要。在藝術上這類問題經常出現，它和手工技藝不同，並沒有什麼標準固定可言。對於攝影家來說，形狀的設計是相當重要的，值得密切注意。
生活中不存在孤立的物體，我們所遇到的、看到的和感受到的每件物體都和其他物體互相聯係而存在。如果我們在一個圓形的四周加個邊框，由於和邊框的相對位置發生了變化，它便呈現出不同的視覺效果。
邊框所包容的空間叫作畫麵。畫麵裏的形狀或物體叫做圖形。
隻要圖形一進入畫麵，就會出現形狀設計中第三個極其重要的要素，即背景空間。這個第三要素與前兩個要素——圖形和畫麵一樣，也是一個不可忽視的積極因素。如果我們利用同一圖形和畫麵，隻是把圖形放在畫麵的不同位置上，使背景空間發生變化，我們就能清楚地看出背景空間的重要性。
圖形在畫麵上稍一移動，背景空間的形狀也就隨之而改變，從而影響了整個構圖。這種影響雖不易察覺，但起的作用卻相當巨大。
畫麵每變化一次，所形成的對圖形的包圍圈就不相同，給人的視覺感受也不同，而且也使背景空間的形狀截然不同。
根據拍攝對象的色調和我們希望強調的程度，上述各種安排可作如下的變化：
亮調物體襯在暗調的背景上；
亮調物體襯在中等色調的背景上；
中等色調的物體襯在亮調的背景上；
中等色調的物體襯在暗調的背景上；
暗調物體襯在亮調的背景上；
暗調物體襯在中等色調的背景上。
改變畫麵中圖形的大小，還可以獲得更多的變化形式。
在攝影中，任何一個要素如果離開其他要素，都不可能得到充分的表現。色調、質感和大小三者的相互作用極為重要，不得稍有偏廢。在下麵的討論中，我們的確稍有側重，我們的目的不過是為了對那些引起視覺興趣的特征集中地分別進行研究而已。通過這種方法，我們可以深入理解這個原理並提高視覺的洞察力。
在研究幾何圖形的時候，你會發現自己能看到視覺世界中許多有趣的形象，這些形象過去你也曾多次遇到，但卻並未注意。這種新培養出來的意識正是一個攝影家最寶貴的才能，這就是透過表麵觀察事物的能力。
在攝影實踐中，人們往往不是把事先想好的美學構思加在拍攝題材身上。相反，攝影家依靠他的特殊敏感，能對題材的感人因素做出即興反應，並從題材本身獲得需要集中表現的美的素質。
所以，必須培養自己觀察的習慣並不斷提高自己的鑒賞能力，這就是你取得經驗的基礎。有了這些經驗，才能促使你對某個情景作出瞬間的視覺反應，才能產生優秀的作品。其實，大量的藝術創作都是直觀的，大部分構圖也是如此。不可能有什麼規則，因為任何規則隻能抑製個人的即興表現力，並導致作品題材陳舊、千篇一律。
很多卓越的攝影家創作出的優秀構圖完全是出於直觀。當他們聽到別人說他們創造了藝術作品，並且自己也認識到這一點之後，他們才開始分析那些藝術作品所遵循的標準，並提出指導他們今後工作的一些原則。
自從攝影變成了文化的組成部分以後，攝影家們也一直在考慮同樣的問題。特別是在過去的100年歲月裏，人們花費了很多心思，去研究那些影響構圖要素的設計原理。有些原理，如大小、方向、明暗的對比和突出的地位等，在攝影練習指南上都曾經提到。清楚地了解這些原理，對於解決任何構圖問題都大有好處。特別當牽涉到兩個更多形狀的結合問題時更是如此。
在構成視覺藝術的各種要素中，明與暗對攝影具有特殊的重要性。因為有了暗和明，照片中各種物體才成為可以看得見的形象；所有其他要素，包括形狀、線條、質感和立體感等，實際上都是明和暗的不同表現形式而已。直到現在，事實已經證明，攝影的實質就在於依靠光線發生作用，也就是依靠光線通過鏡頭對感光材料發生作用。
沒有哪一種造型手段能像攝影那樣，用從純白到純黑的無數個灰色層次的變化，把物體的立體感生動地表現出來。沒有哪一種造型手段能像攝影那樣，在一個平麵上向人們提供凸起和凹下的感覺，從而構成一個逼真的立體形狀。
在明暗的運用方麵，攝影家的眼界必須更加開闊；不要認為它隻是清晰地記錄影像的一種手段。除了構成畫麵和產生立體效果之外，明和暗還有很大的藝術表現能力。它是一個有效而獨立的構圖要素，是表現和烘托氣氛的最有力的手段。
為了造成特定主體的適當氣氛，並像你所希望的那樣表達感情，往往不必拘泥於實際情況，而把明和暗看成獨立的實體。我們不可能也不願意製訂出一個一覽表，用以列出通過明暗配置造成氣氛的方法。處理方法是多種多樣的，這要根據每個人的經曆、經驗、風格和判斷能力來決定。
雖然亮調能夠表現溫暖，但是它也能夠表現寒冷、遙遠、空虛、暴露無遺和清晰明快。暗調可以表現寧靜，也可以表現寂寞；可以表現停滯，也可以表現危險。
從許多方麵來看，光線和音樂有相似之處。它能夠變換輕重和強弱。自然光有著很大的調節可能和適應性。人工光能產生極為豐富的層次變化，效果如何，取決於燈具和應用方式。
作品的藝術性關係到整個畫麵空間，絕不是主要物體得到滿足的表現就算完事。正像畫麵中多餘的物體能降低主體的感染力一樣，明暗配置不當也會削弱構圖效果。因此，攝影家不能隻限於判斷畫麵主要部分的明暗，他必須對照片的每個部分的明和暗給予同等重視，才能判斷哪些有利於整體效果，哪些不利於整體效果。
因為構圖要素和構圖原理都是抽象的概念，所以需要從完全抽象的角度去考察它的性質和作用。如果把具體可辨的物體從畫麵上排除掉的話，這種概念才能表現得更清楚，理解得更明確。
有時候，視覺要素和構圖原理的作用容易被混淆。視覺要素就是形狀、線條、明暗、質感和立體感；它們可以被看做是照片的組成部分，正像我們把構成主題的景物看成是照片的組成部分一樣。構圖原理就是對比、節奏、優勢、平衡和統一；它們是藝術家把各個分散的部分組成一幅完整照片時所采用的方法。
從某種意義上來說，視覺要素是傳達視覺信息的語彙，正如詞是傳達語言信息的語彙一樣。在特定環境下，語言交流中的一個詞，通過它的聲音或含義就能圓滿地傳達一個概念，不需要更多的詞。同樣，隻用一個形狀、線條或立體物也能表示一個視覺概念。有時候，這種極其簡練的表現手法不僅是可能的，而且是非常必要的。
對視覺的要素來說，情況大體相同。形狀、線條、質感和立體感的配合使用，能夠起到互相加強效果的作用。如果它們不是按照某一前提加以組織，藝術家的意圖就無法表達。對比、節奏、平衡和統一這些原理，是藝術家用來把所有設計要素組成一個和諧的整體的工作方法。這個工作過程——選擇能夠表現攝影家意圖的視覺要素，根據各項原理，加以適當安排，就是照片的構圖。
“構圖”和“設計”可以通用，它們的含義是一樣的。在某些情況下，設計被理解為裝飾（即創作單獨使用或聯合使用的圖案），或對某一結構外表的修飾。但設計的更精確的概念是它的原始含義——構思，即藝術家為了明確而動人地表達自己的思想而適當安排各種視覺要素的那種構思。
構圖不是在苦思冥想之後就能輕而易舉編排成功的一道工序。構圖不是給一個有毛病的照片開列處方。構圖也不是一個用來建立質量標準的尺度。攝影家不能認為視覺概念是一回事，而構圖是另外一回事。它們二者是完全互相依存，彼此不能分開的。
由於構圖原理被籠罩上一層玄虛的氣氛，構圖過程被說得比它原來的含義更為複雜。事實上，它本來的含義隻是使用視覺要素的一些方法。目的是吸引注意力井抓住注意力，使得藝術家對現實的見解和看法作為一種思想向觀眾表達清楚。如果現在做出選擇的話，毫無疑問，攝影者的思想及其表現方式要比那些原理更為重要。
構圖方法本身是很有意味的。藝術家不僅要有一個意圖，而且要把這個意圖用獨特的、有趣的方式表現出來。過去，題材畫麵完全壓倒了畫麵的組織結構。今天，畫麵的組織結構本身已經變得十分重要，它可以單獨成為照片的基本趣味所在。
構圖原理不是隨心所欲地憑空設想出來的，它起源於人們對有條理的安排所做出的反應。它來自幾個世紀以來藝術家對他們的追隨者的教導，來自對幾千年的藝術名作的研究。無論早期的或現代的藝術家，都把它作為一種手段，用來給作品創造趣味，保持趣味。毫無疑問，它並不是狹隘刻板的、限製藝術家創造的清規戒律。運用構圖原理，能把具有不同大小和不同吸引力的形狀、不同的色調和質感以及形形色色的拍攝對象聯係起來，使中心思想占據主導地位。
像各個活動領域一樣，在構圖學方麵的著作家和教師們曾經係統地闡述過構圖的程序，指望藝術家們能夠有意識地把它用到作品結構中和作品分析中去。他們希望通過具體的指導，收到具體的效果。
對於發現這種程序的藝術家來說，這種程序可能是很有用的。但是要把這種個人的工作方法強加於別人，就不妥當了。如饑似渴地探求知識的人可能被這些圓滿而有條理的方法所打動，但他最後必然會認識到，這樣的方法把思維過程限製在事先想好的別人的模式裏去了。這種方法的藝術效果比在事先畫好的草圖裏“對號著色”好不了多少。
初學者往往不是專心致誌地親自處理視覺刺激源，而是尋求適合模特兒的現成樣本，用來死記硬背；往往不是用驚奇感和好奇感在平凡的事物中進行探索，而是被引導去從壯麗的自然現象中和古怪的人為事件中，尋找可以模仿的題材。
根據一般經驗，視覺刺激源是無限的。人們需要透過外表去仔細研究，才能認識主題，發現個別部分的視覺美點，以及這一部分對另一部分的影響。
關於感覺過程中心理因素的作用，有許多值得講的。事實上，每個視覺結構的基本原理，都能被科學地解釋。
對比在攝影中的意義，比大多數攝影家所能認識到的要廣泛得多。在他們看來，對比隻不過是選用等級適當的相紙和合理控製負片密度所得到的那種明暗差別而已。
在構圖學中，對比是指有效地運用任何一種差異——大小、形狀、方向、質感以及內容上的種種差別，像明暗之差一樣，都可以用對比。
通過差異進行對比是一種最有效的手段，它可以把注意力吸引到主體的主要部分，並使這個部分成為壓倒其它部分的趣味中心。對比和“布局”配合起來，可把觀眾的目光直接吸引到我們所要表現的主要意圖上來。
缺乏各種對比的照片是單調乏味的。要使這種照片增色，就應當盡可能多地運用各種表現形式來強調對比。使明者更明，暗者更暗——這種具體運用對比的手法是使一幅呆板的照片煥發光彩的傳統驗方。
對比離不開變化，有了變化才能產生差異。由於藝術大多淵源於自然，而自然界又總是處於不斷變化之中，所以我們也不可能避免地要感受到變化，並把它攝入鏡頭。然而，自然界的種種變化，在其變化的瞬間是如此地豐富多彩，又是如此地雜亂無章，以致攝影家不能不像戲劇導演那樣，想方設法發揮次要事物的配角作用，以烘托他的中心思想。這樣，觀眾便能一目了然地看出作者所選定的趣味中心了。
為了取得對比的效果，必須使發生變化的地方看來清晰醒目。在一定條件下，特別在由各種類似事物構成的環境中，即使是微小的變化，也能產生顯著的效果。
內容對比是構圖的一個重要手段。它和大小、形狀、色調、方向和質感的對比有所不同，它並不是每張照片中必不可少的。表現主題，可運用多種方法。究竟應該選用哪一種對比手段，則取決於主題，取決於攝影家的觀點，以及觀眾的興趣愛好。
麵對藝術家來說，他必須在無秩序中尋求秩序。麵對著形狀、色彩、質感各自不同的大量拍攝對象，攝影家的腦子裏總是不斷地盤算著怎樣從雜亂無章之中理出和諧的因素來，這就最醜中之美；而這裏所謂的美就是條理感。在混亂之中，特別當主題或景物本身缺乏固有美的時候，這種條理感是很難發現的。
把畫麵各個部分組織起來，也是構圖的實質所在；隻有這樣，被攝事物和你的既定思想才能得到成功的表達。補充景物可以出現在畫麵上，但它們隻能處於次要地位。
題材中對立因素的數量和對立的強烈程度決定著它們被強調的程度。如果一張照片的每個部分包含的對立麵太多，就會造成混亂不堪的局麵。但是，如果一個題材適合於表現混亂，而混亂正是攝影家想要表達的氣氛，那麼，就是大限度地利用差異和對立吧！
前麵講的是差異的作用。相反地，把相似物體適當地結合起來也能取得和諧的效果。這裏，我們要把特征相近的物體和構圖要素加以歸類和研究。
其實，這兩種情況並沒有矛盾。因為不管碰到的是什麼題材，攝影家為了拍出最好的照片，都是要把它們當作視覺材料加以發掘和利用的。要作出符合攝影美學的處理，關鍵在於題材本身能夠說明什麼，攝影家個人認為有意義的是什麼，他選擇什麼方法來表達自己的意圖。
像音樂聽眾預測節拍一樣，攝影作品的觀眾也能在一組相似形象中辨認某一形象，並且預感它的再現。經過合理安排後，有節奏的動感，能夠引導觀眾的視線沿著畫麵移動，滿足他們的視覺感受，抓住他們的注意力。
圓形和間隔的不斷重複，從無秩序中引出了秩序，給人以很大的滿足。因為它是音樂和詩歌中的節拍在視覺上的表現，所以把它叫做節奏。
節奏是有秩序的進程，它提供著可靠的格局和步調。一旦建立起一定的節奏，我們就能夠預見它的連續出現。保持了節奏，我們就會感到愉快。
由於節奏具有高低起伏的一定格局，它就成了激發情感，表達情感的理想手段。它除了具有實際的感情方麵的作用以外，也是表達情感的藝術領域裏最有影響的因素。節奏能激發和豐富人們的想象力。
在有節奏的作品中，不見得每個物體都十分相像或每個間隔都完全相等，也不見得都是嚴格地重複出現的。它不是機械式的，而是有著微妙的差別和變化，正是這些差別和變化給作品增添了趣味。
比起其他構圖原則來，節奏更能引起視覺的快感。它有很大的活力，即使最平淡的題材，隻要發現了和再現了某種節奏，照片就能給人以深刻的印象。
節奏最簡單的形式，是通過某一形象，以相同的間隔重複出現而形成一定的格局。任何物體，任何構圖要素都可以用來構成節奏。形狀、線條、影調、質感的重複出現的間隔，都能構成節奏。
我們所知道的一切有成就的攝影家，都對攝影構圖的抽象原理和要素有極深的造詣；他們重視這些原理和要素的研究並善於運用它們。這些要素和原理至少是使作品具有魅力的可靠手段。每一個藝術家都有個人的傾向性和所偏愛的構圖組合形式。這些會在他的大部分作品中表現出來，成為他的作品的標誌，並使他的作品具有獨樹一幟的個人特點。
在攝影構圖的研究中，存在著一種潛在的危險，那就是把掌握各種要素及其應用理解為一種純粹的機械過程。
攝影創作技巧
攝影是現代科學技術的產物，它是建立在光學、化學、電子學等一係列高技術學科不斷發展的基礎上的一種技術手段。
在實際應用中，我們不但要熟練地掌握手中的照相機，還應對光線的運用、畫麵的布局、影調的表現力及美學的概念有一定的了解。
隻有掌握了一定的攝影技巧，才能將你通過觀察所得到的美的感受如實地反映在你所拍攝的照片上，以此來表達你對生活的見解和感受，抒發你的思想情感並給人以美的享受。
攝影藝術是造型藝術中的一種利用科技手段表現和塑造藝術形象的門類，因此，它具有其顯著的特點。
正確地使用鏡頭和感光材料，靈活巧妙地利用創作現場的景物、人物和圍繞它們所發生的變化，快速捕捉由於光線和天氣變化所產生的效果，是獲得令人滿意的攝影作品的關鍵，所以，鏡頭和感光材料的正確運用，是搞好攝影創作的保障。
下麵我們介紹一些在攝影實踐中經常遇到的情況和利用這些情況進行創作的技巧，供大家參考。
合理使用不同焦距的鏡頭
一、正確地認識標準鏡頭
單鏡頭反光照相機可裝配從魚眼到超望遠以及各種變焦鏡頭。人們可根據攝影構圖的需要選擇使用合適的鏡頭。尤其是廣角到中焦這類變焦鏡頭的大量普及，使得許多人將標準鏡頭閑置起來，這實際是鏡頭選擇上的一個誤區。他們認為廣角到中焦已包含了標準鏡頭的焦距範圍，所以標準鏡頭已是可有可無的了。其實他們恰恰忽視了最重要的一點，就是標準鏡頭的長處所在。從這個意義上講，有必要向將標準鏡頭置於無用的人們強調一下標準鏡頭的作用。標準鏡頭是以什麼為基準而得名的呢？即我們通常從水平角度觀察景物時所見的效果包括視角、透視等，通過標準鏡頭在與觀察點同一位置時所拍攝到的場景和透視效果有相同的範圍。比這個範圍大時，這個鏡頭叫廣角鏡頭，比這個範圍小時，這個鏡頭叫望遠鏡頭。
標準鏡頭是在攝影構圖上有豐富表現力的萬能鏡頭。無論從攝影畫麵的視角、場景範圍、遠近感、質感以及被攝影景物的顏色和形狀都與人眼所見到的極其相似。因此，它能對客觀事物和自然景觀作自然而且真實的反映。這就是標準鏡頭的最大優勢之一。
另外，熟練地掌握標準鏡頭的使用技巧也可以得到廣角鏡頭和望遠鏡頭的視覺效果。例如，靠近被攝體，開大光圈使背景模糊，使被攝體做為主題清晰地表現出來，可取得望遠鏡頭的攝影效果。
二、廣角鏡頭的使用
廣角鏡頭通指焦距小於標準鏡頭焦距的一係列鏡頭。這一係列鏡頭的焦距從十幾毫米的超廣角（魚眼鏡頭不在此係列中）到普通廣角，其中超廣角鏡頭的焦距接近魚眼，普通廣角的焦距接近標準鏡頭。按一般習慣的劃分，焦距在13～21mm的鏡頭稱為超廣角鏡頭，焦距在24～38mm的鏡頭稱為普通廣角鏡頭。
廣角鏡頭的焦距較短，視角比較大，因此用它進行拍攝時，能夠獲得很大的空間範圍和景深範圍；使所攝畫麵的空間視覺效果和空間縱深感得到明顯地增強。由於廣角鏡頭有上述特點，所以經常用於拍攝場麵較大的全景畫麵或在狹窄而又受到一定限製的拍攝現場使用。也可以利用這類鏡頭拍攝具有透視誇張效果的照片。
使用廣角鏡頭進行拍攝時，應盡量避免具有水平線條和垂直線條的景物處於畫麵的邊緣，以使畸變不太明顯。
三、長焦距鏡頭的使用
長焦距攝影鏡頭通指焦距比標準鏡頭長的鏡頭。這類鏡頭按焦距的長短，又可細分為普通長焦距鏡頭和超長焦距鏡頭兩大類。一般的劃分標準為（以135相機為例）75～300mm為普通長焦距攝影鏡頭，300mm以上的攝影鏡頭為超長焦距攝影鏡頭。