課題五：西方現代音樂概述
一、現代音樂的概念
音樂史上把20世紀以後的音樂稱為現代音樂。20世紀人類先後經曆了兩次世界大戰，其規模之大，對物質和文化的毀滅性破壞之強，是19世紀任何戰爭無法比擬的。由於社會經濟危機、法西斯獨裁統治等原因，致使經濟蕭條、社會動蕩、矛盾加劇，引起社會心理發生巨變，使人們產生了更多的緊張和不安，使宗教的正義與博愛、和平與信任觀念在人們心中失去了信賴。科學技術的迅速發展給人類帶來了什麼？集中營、生化武器、核武器等給人們的是巨大的心靈創傷，戰爭摧毀了人們的精神家園。現實告訴人們，生活不是那麼美好，到處都存在黑暗和醜惡。在這種背景下，知識分子認為傳統的哲學、美學和藝術已經不能反映他們對現實的態度，不能適應他們特殊的思想感情，不能表現不斷增長的個人意識。於是，他們就尋求新的觀念來認識世界，尋求新的藝術表現方式，各種現代文化思潮和藝術流派樣式紛雜、繁多。在作曲技法上，打破了古典傳統技法的規律，在旋法、節奏、調性關係、和聲語言、曲式結構、配器手法等方麵標新立異。作曲家追求新的材料、新的語言、新的技法和新的內容，采用新的調式、新的和聲、新的音程、新的織體進行音樂創作，出現了許多新的記譜法、新的作曲方法、新的表演形式等，甚至隻是以求新為目的，表現手法與音樂內容不相吻合，走向極端。這種針對傳統音樂及其共性標準而出現的新音樂，具有強烈的革命性、反叛性、實驗性和創新性，因此，常會使人感到作品形式怪誕、音響新穎、手法複雜而個性迥異，有時，也讓人感到難以接近。20世紀以來，西方音樂界自印象主義音樂之後，先後出現了表現主義、新古典主義、原始主義、十二音體係、序列主義、具體音樂、微分音音樂、電子音樂、偶然音樂、點描音樂以及噪音音樂等等。
20世紀音樂的發展，總體上有兩個階段，即20世紀初到1945年為第一階段，1945年以後為第二階段。其中第一階段包括以法國德彪西和拉威爾為代表的印象主義音樂、奧地利作曲家勳伯格的第一首無調性鋼琴作品和十二音體係、瓦雷茲的實驗性作品和哈巴的微分音音樂等，其中還包括戰後一些力圖創作能讓聽眾接受的音樂的流派，如亨德米特的實用音樂、巴托克和科達伊的民族音樂、蘇聯社會主義背景下的音樂等。第二階段出現了整體序列音樂、具體音樂、電子音樂、偶然音樂、概念音樂、生物音樂、簡約音樂等等。“1945年以前的‘新’音樂，主要集中在1908年到1920年之間；1945年以後的‘新’音樂，主要集中在50、60年代左右。這也是西方現代音樂發展的兩次高潮。在第一次高潮中，出現了無調性、節奏複雜（強弱的不規則交替、複雜節奏等）和新音色。盡管也有微分音音樂和噪音音樂等實驗，但總的說，絕大部分新音樂還是在傳統音樂的樂音體係範圍之內所作變化而形成的。1945年以後，上述的三個方麵有了進一步發展：無調性發展到（整體）序列音樂；節奏複雜化發展到節奏從小節線的束縛下解放出來（沒有節拍觀念）；新音色發展到音色代替旋律等成為作品的主要表現手段。”①因此，第二階段從根本上否定了傳統音樂的法則，具體體現在任何聲音都是有效的，可以以任何方式組織聲音，甚至不用聲音創作音樂作品。
總體上看，現代音樂與傳統音樂的表現手段相比有很大變化。現代音樂拋棄了傳統的旋律觀念，旋律不夠流暢、對稱、均衡，不重複，不呼應，包含許多大跳、休止，沒有句逗，常讓人感到支離破碎。和聲上頻繁使用各種不協和音響，如十三和弦、各種增減音程、音簇和音塊等和聲素材，不協和和弦無須解決。調性不明確，有的音樂有中心音，但自由使用12個音級，沒有自然音與變化音的區別；經常使用許多人工調式和民間音樂音階；有的音樂無調性而僅追求音響上的變化。在節奏方麵，節拍自由多變，多使用奇數拍，或沒有拍子、沒有小節。在結構與織體方麵，傳統的統一和變化原則仍被重視，有時雖然采用傳統的體裁名稱，但音樂的內部結構特征卻各行其道；有的音樂從譜麵分析，結構嚴謹而有序，但聽覺是不易辨認和判斷的；複調織體又被重新認識，並得到格外的重視。在配器方麵，管弦樂隊趨向小型化，突出個別樂器的個性特征；各種民族打擊樂器受到普遍關注，通過使用新的樂器發現新的音色；在各種樂器上發掘新的演奏方式和演奏演唱技法，豐富音樂的表現力，如弦樂器用弓杆演奏或敲擊、管樂器邊吹邊唱或吹複音、鋼琴使用弓子擦弦或拍打琴身、人聲模仿樂器或呐喊哭笑等等。
二、現代音樂的流派
表現主義音樂是西方現代音樂的流派之一，產生於20世紀初，最早是作為印象主義音樂的對立麵而提出的一種藝術理論。印象主義追求的是外部世界轉瞬即逝的印象，主張將客觀世界中所見之物描繪出來，描繪的對象主要是大自然、日常生活中的情景，描繪大自然的色彩、光線和氣氛。而表現主義則強調直接表現人的內心世界和體驗、靈魂深處的感覺和真切的情感。在創作手法上，表現主義通過藝術家的主觀意誌，運用變化、誇張、象征等手法來表現當時社會背景下藝術家發自內心的苦悶和孤獨、恐懼和絕望等情緒。表現主義音樂的創立者是奧地利音樂家勳伯格，他的學生貝爾格和威伯恩則加以繼承和發揮。由於三人的主要活動地點都在維也納，所以又稱“新維也納樂派”。表現主義音樂采用極其誇張甚至歇斯底裏的手法表現某種意念或情緒。為了適應這種音樂風格的轉變，表現主義作曲家在音樂語言上采用十二音體係，追求不協和與無調性，或采用密集的音塊代替傳統音樂中的和弦或是多調性的重疊。表現主義音樂的旋律零散，多有急劇的跳動，力度變化從一個極端到另一個極端，和弦尖銳且不協和，結構不清晰，節拍不對稱。最具有代表性的表現主義音樂家是勳伯格，他受馬勒和瓦格納的影響，曾采用自由無調性的手法創作，如《五首管弦樂小品》（1909），其中第三樂章就具有音色旋律的特征。從1923年起，勳伯格采用十二音體係作曲，代表作品有《一個華沙的幸存者》，作品鮮明地刻畫了法西斯的殘暴本性和人民不屈不撓的堅強意誌，音樂中帶有強烈刺激的不協和音響，把法西斯殘害猶太人的殘暴行為描繪得淋漓盡致，給人們留下了非常深刻而難忘的印象。貝爾格與威伯恩都以勳伯格的作曲方法為基礎，但各自獨具特點，“從20世紀音樂發展來看，貝爾格盡力把它拉回‘過去’，使它向傳統靠攏，而威伯恩更傾向‘未來’，更具‘先鋒性’。威伯恩把勳伯格的作曲規則運用得更加徹底、更加透徹、更加理性化，因而使他的音樂語言更加抽象、主觀，帶有更多的實驗的性質”②。