複古中的遺憾
文化藝術
作者：任浩
當今電影業正在經曆新一輪技術革命的暴風驟雨。無特效不成大片，電影的藝術表達越來越沉迷並依靠於技術。在難辨真假的視覺特效帶給觀眾強烈感官刺激的同時，經典電影美學被逐漸淡化。一部部應運而生的恢宏之作除了炫目的場景之外乏善可陳。於是，複古默片《藝術家》一經出現，便立刻成為電影界和觀眾關注的焦點。這樣一部複古默片《藝術家》，其還原黑白電影的創意到底是一種行為藝術？一種對電影風潮發展至今的投機？還是對黑白電影真正近乎於苛求的還原？
一、技術考究：原汁原味複製無聲電影
以複古的藝術表現形式來攝製一部電影並非《藝術家》首創。導演梅爾·布魯克斯在70年代就曾重新還原過默片《無聲電影》，不過它並不是一部苛求複古藝術的黑白片，但同樣是利用默片裏的藝術表現形式，例如音效、音樂和字卡交代劇情與笑料的製造。這部電影在當時引起了強烈的反響，成為梅爾·布魯克斯最好的影片之一。而提到《藝術家》的複古藝術，不得不想起另外一部電影——《德國好人》。導演史蒂文·索德伯格在2006年拍攝了《德國好人》，這部電影雖然並非還原默片，但是其“克隆”了黑白電影的攝製方式，同樣是一部追求複古藝術，向電影史致敬的影片。史蒂文·索德伯格完全采用上個世紀四、五十年代黑白電影的傳統拍攝方式，他使用了需要調焦距的鏡頭，在片場堅持使用白熾燈，從而增加畫麵的顆粒感、古舊感。索德伯格做得似乎有點過猶不及，他甚至禁止使用演員無線麥克，影片收音完全使用最原始的方法。而影片的劇情設置和演員的選擇上，讓人不由地想起《馬耳他之鷹》、《第三個人》、《卡薩布蘭卡》等經典影片。導演史蒂文·索德伯格做到了完全的複古，可是影片得來的外界評價卻遠遠不如《藝術家》。
電影《藝術家》整體還原了默片的攝製模式。影片後期經過技術的精確計算，將彩色影像處理為黑白，營造影片之“舊”。影片銀幕全然不顧影院的放映規格，采用默片1.33：1的寬高比；使用字幕卡的方式連接劇情；幀速調整為每秒22格，還原默片畫麵的加速感。總之，導演邁克爾？哈紮納維希烏斯欲呈現出一部原汁原味的無聲電影。同時，《藝術家》通過對細節的安排，對經典影片橋段的模仿，以增添電影的曆史感和致敬意味。影片故事發生的年代為1927年。奧斯卡的主辦組織美國電影藝術與科學學院便成立於該年，電影史上第一部有聲電影《爵士歌王》也誕生於該年。電影“戲中戲”裏的人物造型分別取材於《亞森羅賓》（1932）、《佐羅的標記》（1920）、《羅賓漢》（1922）、《賊》（1952）、《七重天》（1927）、《最卑賤的人》（1924）等影片；表現喬治與妻子關係崩裂的6個拚貼鏡頭照搬《公民凱恩》（1941）；影片配樂挪用了希區柯克《迷魂記》（1958）裏的經典音樂…這樣的例子不勝枚舉。一係列的“似曾相識”，彰顯了導演的個人趣味。在影片中穿插對經典電影的模仿，也增添了影片的可看性和趣味性，充分考慮了現代觀影人的懷舊情結和審美趣味，這是《藝術家》比《德國好人》獲得更高評價的最重要的原因。
二、美中不足：創作方麵仍有缺憾
法國著名作家、導演瑪格麗特·杜拉斯說：我拍的所有電影，畫麵背後都隱藏了黑色。她認為黑色是沒有間斷的，是一種持續的運動。它和聲音、話語聯係得更緊，因為沒有什麼意象會侵害這種關聯的底蘊，存在於黑色和聲音之間，尤其存在於黑色和話語、黑色與生命、黑色和死亡之間。[1]黑白默片雖然沒有將所有藝術表現元素“物盡其用”，但是正是如此，才使得默片中的鏡頭語言、表演方式、電影音樂等形成了獨一無二的電影美學，帶給觀眾永恒的感動。而在這幾個方麵，電影《藝術家》則顯得美中不足。