中西服飾的交流、融合與再設計是一個永恒的命題，尤其在21世紀的今天，中西設計師都為此作出了許多努力。隨著認識的提高，中西設計師都不約而同地開始從文化內涵等深層麵去體味，探尋一種傳統與時尚的最佳對接方式。
1.東風西漸與東成西就
中國服飾與西方服飾，互相吸引與影響由來已久，二者之間之所以有交流有碰撞，關鍵在於雙方存在巨大差異，這種差異造成了一種具有神秘地域文化色彩的吸引力，這是引發設計師們借鑒和吸納的內在動力。
從20世紀60年代開始，“年輕風暴”席卷全球，嬉皮士（Hippy）在反傳統、反體製的同時也渴望對自然的回歸，於是在時裝圈興起追求民族風味的流行趨勢。這股民族風最終也波及到了高級時裝和高級成衣的舞台，設計師們紛紛從民族文化中汲取靈感。同屬東方民族的日本設計師也一改他們西化的設計風格，重新審視自己民族的傳統，轉而從本土文化中吸取養分：三宅一生（Issey Miyake）、高田賢三（Kenzo）、山本耀司（Yohji Yamamoto）、川久保玲（Rei Kawakubo）等設計師對東方經典進行了西方式的演繹，在國際時裝舞台上贏得了很高的聲譽。
這些設計師共同的特點是“求異”的設計思路。無論是三宅一生那以日本麵料改良的、同時具有平麵和立體雙重感覺的“一生褶”，還是高田賢三打破西方立體曲線的束縛、寬鬆了的人衣關係，無論是川久保玲顛覆傳統審美的“破爛式”，還是森英惠（Hanae Mori）對日本傳統圖案的現代應用，在求異求變上他們都是個中好手，所以在曆來是歐美設計師一統天下的國際舞台上占有了一席之地。
2.求異與求同
不可否認，對於東方民族元素的應用，西方設計師有著先天的優勢：西方哲人曾經說過距離產生美感，東西方之間遙遠的距離〈不僅僅是空間上的，還包括意識形態等思想領域）給予他們從西方看東方、從現代看古代的得天獨厚的視角。他們站在地球的另一端看古老東方的中國，好奇者有之，喜愛者有之，獵奇者亦有之。但無論抱著怎樣的心理，他們在設計思想上沒有什麼禁錮與束縛，即使不能深層次地把握中國傳統文化的深刻內涵，但依然可以毫無禁忌地運用天馬行空的想象力來“訴說”他們眼中的東方。無論是旗袍、水墨畫還是折扇、盤扣，隻要是東方的，就把它重新排列、組合，毫不相關的元素大膽地結合，不用對其文化底蘊進行深度挖掘，隻要能帶來強烈的視覺衝擊即可。他們的優勢在於不必深究、不必刻意，隻需把傳統服飾的靈感用現代的手法、材質表現出來。因而他們的這類作品往往能夠出人意表，具有強烈的震撼力，這是與他們一貫的“求異”思想相吻合的。
回顧西方服飾發展的曆史，我們會發現，“求異”是它不變的主旋律。就拿20世紀來說，10年代保羅·波烈（Paul Poiret）拿掉束縛婦女的緊身胸衣，帶來了東方風情；20年代可可·夏奈爾（Coco Chanel）混合了男裝的元素為婦女設計了全新的套裝；30年代艾爾薩·夏帕瑞麗（Elsa Schiaprelli）設計了驚世駭俗的骸骨毛衫和拉鏈的運用；40年代克裏斯汀·迪奧（Christian Dior）重新強調女性味的“新樣式”；50年代瑪麗·昆特（Marry Quant）來自街頭的超短裙；60年代伊夫·聖洛朗（Yves Saine Laurent）創造了“蒙德裏安風格”……直到世紀末東方風情的彌漫，每一次變化都是對以往的否定，都是求異求變的結果。