直至19世紀現代主義藝術之後，水彩的色彩這一元素才從藝術創作中被提取出來，並作為一種獨立的繪畫形式要素而具備了自身的審美特性和價值。這是一種藝術審美的變革同時也是一種藝術美學的創新，其創新之處就在於對藝術各個要素進行獨立的表現和審美。這樣一來，形式主義美學的建立，使色彩成為一種獨立的形式語言，通過這些不同的色彩語言可以充分地表現客觀現實或是再現事物，這是色彩所具備的一種能力。但從更深一層次的形式主義美學來分析，用這種獨立要素所呈現的對象，除了所創造的形象和內容有意義之外，形象和意義的構成要素也具有了另外的一番審美和趣味。這裏所體現的就是英國文藝批評家克萊夫·貝爾（Clifve Bell，1881—1964）所言的“有意味的形式”，他認為：“在各個不同的作品中，線條、色彩以及某種特殊方式組成某種形式或形式間的關係，激起我們審美感情。這種線、色的關係和組合，這些審美的感人形式，我稱之為有意味的形式。‘有意味的形式’就是一切視覺藝術的共同性質。”④
將這一點深化到藝術教學中來看，色彩這一獨立因素，成就了其在藝術教學中作為一項專業的培養方式和科目進行講解和訓練。例如，在藝術初期的教學中對色彩的感知培養，通過水彩畫的色彩訓練，除了讓學生把握基礎造型能力，更重要的是在型的基礎上注重培養學生在不同環境和光線下對色彩的運用和表現能力，簡而言之，就是賦形於色。其作用是培養學生對不同色相、色彩明度以及純度變化的把握和對比、調和能力，更好地將視覺對色彩的變換感知發揮到最大程度，進而鍛煉學生在後期的藝術創作、設計中對色彩的靈活和獨到的把握、運用，這也就豐富了藝術教學各個領域對色彩的進一步認知。可以說，這是一種專業的延展性認知，舉另外一個教學中很簡單的例子來說明這一點。在設計構成教學課程（涉及藝術設計專業都要學習的基礎課程）中，除了前課中教授學生對點、線、麵的認知、組合和結構性的思維擴展思考外，更進一步的體現就是將這些點、線、麵與色彩的結合展現，在這裏，是通過色塊的組合、定位和搭配來實現型的進一步延伸，這也就是色彩構成的體現。可以說，從裝飾設計、插畫到圖形創意中的形、色組合，這些都能夠歸類於是對色彩運用的最直接而有效的基本顯現。
三、色彩在藝術創作中的獨立性拓展思考
1.水彩畫本身創作特質所成就的另類藝術功能
水彩畫作為一種藝術樣式，雖然在與油畫的競爭當中不占優勢地位，而這種所謂的“優勢”體現更多的是當下的一種市場因素。但是，在這裏所講的是拋除市場等的外因從創作本身而言，這種以水來調和顏料繪製的藝術，從其自身屬性而言就具有其材料的特質與價值，從作品的本真上就具有了“水”這一物質的流動的生命質色彩，其輕柔、通透，能用本身的質輕來承受生命的厚重，這又是一種“悖論”。正如日本畫家田中永己唯美的水彩插畫，他筆下的水彩畫，都是富有生命的生物體，雖然所繪之像都是日常景物和自然風光，但是，他筆下的色彩能夠透過陽光而在人的心底、腦海映下光景、水影，他並不是用飽和、濃烈的色彩厚重地鋪滿調色盤和畫紙，而是在他的水彩畫麵上，用鏡子般的視覺影像映射出彩色的幻影。滿麵清新而脫俗的感覺伴隨著他畫中的風吹拂而來，這樣的水彩畫給人更多的是愜意而舒適的陶醉。雖然這裏的水彩畫隻是用作插畫，而不是獨立的賞析水彩畫，但是這種作為插畫的輔助作用，使水彩畫在功能上得以變化，這種改變反倒沒有抹滅水彩畫本身的創作所具有的賞析特質的體現，反而更好地使水彩畫的欣賞功能之外的作為插畫這一輔助敘事、表現功能得到更進一步的唯美而完整的展示。或許可以說，日本畫家在這種獨立賞析之外，為水彩畫的當代發展找到一個更好的平台，他以自己國度和文化特有的視角對自然和人的關係給予了更加真切的描述和體悟。這種水彩畫所呈現出的柔和色彩之美，正是現代人類對於自我和周遭的一種和諧觀照。更有甚者，在日本的動漫製作當中，可以更直觀地看到眾多這種水彩畫的色彩和色調所描繪的唯美自然的場景，如宮崎駿的動漫，水彩畫的唯美、自然，為日本的動漫構建了一個迷人而理想的國度。